Musiktitan, epochal, bahnbrechend, revolutionär … Kaum ein Künstler wird mit so viel heroischen Zuschreibungen bedacht – und vereinnahmt – wie Beethoven. Zum 250. Geburtstag des Komponisten ist begleitend zur bemerkenswerten Ausstellung im Kunsthistorischen Museum Wien der Bildband „Beethoven bewegt“ entstanden: Künstler setzen sich sehr persönlich mit Beethoven und einzelnen Werken auseinander, lassen sich inspirieren und ermuntern Betrachter mit ihrem Kaleidoskop an Werken und Gedanken zur eigenen Auseinandersetzung mit dem Genius.

Il divino, der Göttliche: Auch Raffael, einer der bedeutendsten Künstler der Hochrenaissance, wurde schon zu Lebzeiten mit Superlativen tituliert und gefeiert. Von seinem Leben ist allerdings wenig überliefert. Zum 500. Todesjahr des Malers und Baumeisters hat der Kunsthistoriker Arnold Nesselrath den Bildband „Raffael!“ mit umfangreichen Abbildungen und Texten vorgelegt und eröffnet als langjähriger Restaurierungsleiter im Vatikan neue Perspektiven auf Leben und Werk des Künstlers.

Bahnbrechend und tollkühn ist das Werk der Architektin Zaha Hadid. Als Meisterin der Bewegung und fließender Formen hat sie Raum, Bauten und Design ganzheitlich gedacht. Auf fast 700 Seiten versammelt der von Philip Jodidio herausgegebene Band „Zaha Hadid“ all ihre Bauwerke, dazu Zeichnungen der 2016 verstorbenen Visionärin, die als erste Frau mit dem Pritzker-Architektur-Preis ausgezeichnet wurde.

Was hätte die Welt noch alles erwarten dürfen, wäre der Filmemacher Rainer Werner Fassbinder mit seinem rastlosen Schöpferdrang nicht schon 1982 gestorben. In diesem Jahr wäre das Enfant Terrible des Neuen deutschen Films 75 Jahre alt geworden. „Filmstills 1966–1982“ zeigt 180 Aufnahmen aus fast allen seiner 44 Filmproduktionen.

Eigenwillig inszenierte Momentaufnahmen am Filmset, intime Porträts von Superstars: 150, zum Teil unveröffentlichte Schwarz-Weiß-Fotos aus 40 Jahren seines Schaffens hat Peter Lindbergh für seine erste selbst kuratierte Werkschau bis kurz vor seinem Tod vorigen Jahres zusammengestellt. „Untold stories“ sind jetzt als Fotoband erschienen und erzählen ganz eigene Geschichten in der außergewöhnlichen Bildsprache des Fotografen, der wie kein anderer die Grenzen zwischen Modefotografie und Kunst aufhob und die Film- und Mode-Ikonen unserer Zeit einfach nur als schöne, starke Frauen zeigt.

Auch Christo ist vor der geplanten Verhüllung des Arc de Triomphe in Paris Ende Mai gestorben. Der Bildband „Paris!“ von Christo und Jeanne-Claude erinnert an die spektakuläre Verhüllung der Pont Neuf von 1975 bis 1985 und an die frühen Pariser Jahre 1958 bis 1964, wo mit heute fast vergessenen verpackten kleinen Alltagsgegenständen die Weltkarriere des Künstlerpaares begann.

Vor Corona war der verheerende Brand der Notre-Dame am 15. April 2019 zunächst der Grund, weshalb die Verhüllung des Arc de Triomphe verschoben wurde. Der Bildband „Notre Dame de Paris“ dokumentiert mit historischen Zeichnungen, Gemälden und Fotografien, 800-jährige Baukunst, Pariser Leben und alles, was Notre-Dame für Paris und Menschen aus aller Welt immer war, ist und sein wird.

Text: Anita Strecker

Herr Professor Böhme, Sie holen die sogenannte Verlorene Generation in die Gegenwart. Wie sind Sie dazu gekommen? 

Heinz R. Böhme: Sammeln war schon immer mein Hobby. Anlass, diese Leidenschaft konsequent zu führen, war ein Katalog über eine Ausstellung des Malers Ludwig Jonas (1887-1942) in Berlin 1984, den ich beim Ausräumen eines Bücherregals wieder in die Hand bekam. Er war tiefrot gefärbt und die Fotos waren per Hand eingeklebt und dadurch auffällig. Die Ausstellung stand unter der Schirmherrschaft des israelischen Botschafters. Ich las die Biografie dieses Malers, den keiner kannte. In Bromberg geboren ging er nach Berlin, um Malerei zu studieren, emigrierte nach Paris und weiter nach Palästina. Danach wurde mir klar, dass es noch viele solche Künstlerinnen und Künstler geben muss, die verfolgt wurden und deren Werke als „entartet“ galten. Sie wieder in die Gegenwart zurückzuholen, wurde mir zur Aufgabe.

Wie machen Sie diese Künstler ausfindig, viele Namen sind weitgehend unbekannt?

Meine Sammlung umfasst derzeit ca. 400 Werke, vorwiegend Ölgemälde. Sie zu finden war nicht einfach. Das Lesen alter Kunstzeitschriften, die Suche in Auktionskatalogen und im Internet führen nicht selten auf eine heiße Spur. Weitere Hinweise brachte die Überlegung, dass die anerkannten Maler dieser Zeit zwischen 1920 und 1945 auch Schüler hatten, die sicher nicht unbedeutend waren, aber durch die Wirrnisse dieser Zeit in Vergessenheit geraten sind und zur Verlorenen Generation wurden.

Was reizt Sie mehr, den Menschen nachzuspüren oder ein verlorenes Kunstwerk zu finden?

Es ist ein wechselseitiges Verhältnis zwischen dem Künstler und seinem Werk. Besonders die Künstler der Verlorenen Generation prägen mit Ihrer Biografie Inhalt und Ausdruck ihres Bildes. So gelingt es, Kunst- und Zeitgeschichte zu vereinen.

Warum war es Ihnen wichtig, ein eigenes Museum zu gründen?

Die Vielzahl der Werke lässt sich im privaten Wohnzimmer nicht aufbewahren. Als „Leihgabe“ oder wie mir angeboten wurde, in einem großen Museum zu wirken, erschien mir für diese wiederentdeckten vom Schicksal geprägten, verfolgten und ins Exil getriebenen Künstler eine unzureichende Rehabilitation. Sie sollten zurück in die Gegenwart und auch jederzeit gegenwärtig sein. Daher habe ich mich entschlossen, ein gemeinnütziges Privatmuseum in Salzburg zu gründen.

Im Bildband „Wir haben uns lange nicht gesehen“, der begleitend zu Ihrer Ausstellung veröffentlicht wurde, wird nicht das Bild erläutert, wir erfahren vielmehr etwas vom Leben und dem Schicksal der Künstler. Liegt Ihr Fokus eher auf dem Menschen als auf der Kunst?

Im Vordergrund steht für mich nicht die Bildbeschreibung, die Zuordnung zu einem Stil oder gar die Werthaltigkeit des Werkes, sondern die Biografie, das Lebensschicksal dieses Künstlers, das sich mit seiner Darstellung verknüpft.

Nach welchen Kriterien kaufen Sie Bilder? Ist die Vita des Künstlers entscheidend oder die Qualität des Werks?

Der Erwerb folgt bei mir meist durch das „Bauchgefühl“. Diese Künstler hatten meist berühmte Lehrer, arbeiteten in oft verbotenen Kunstschulen und waren zu ihrer Zeit auf Grund der hohen Qualität bereits anerkannt und auf Ausstellungen präsentiert. Nur die politische Entwicklung hat sie aus der Bahn geworfen und zur Verlorenen Generation gemacht.

Interview: Anita Strecker

Bis zum Horizont verstecken gleißende Gewächshausdächer die andalusische Landschaft unter einer geschlossenen Plastikdecke; in China ragen bizarre Kalksteinkegel trotzig aus einem gelben Meer blühender Rapsfelder; fast wie ein modernes Kunstwerk liegen begrünte Scheiben, jede exakt von einem Kilometer Durchmesser, in saudi-arabischem Wüstensand, während im brasilianischen Amazonas eine Hunderte Quadratkilometer große, graubraune Brandwunde klafft. Im Bildband „Human Planet“ dokumentieren der preisgekrönte Journalist und Wissenschaftsautor Andrew Revkin und der Fotograf George Steinmetz mit faszinierenden, teils schockierenden Luftaufnahmen und erklärenden Texten, wie massiv und einschneidend der Mensch die Erde formt.

Er hat sich nie als Umweltschützer gesehen, sagt Steinmetz, der seit mehr als 40 Jahren die ganze Welt bereist und mit seinen spektakulären Overview-Bildern bekannt geworden ist, die er aus Leichtflugzeugen, mit Gleitschirmen und Drohnen aufnimmt. Die dramatischen Veränderungen, die er von oben vor der Linse hat, wenn er nach Jahren in ein Land zurückkommt, all die folgenreichen Spuren von Industrialisierung, grenzenlosem Wirtschaftswachstum, Ressourcenverbrauch und Klimawandel, haben ihn motiviert, mit seinen Bildern auf die problematische, ausbeuterische Beziehung der Menschen zu ihrem Planeten hinzuweisen.
Der gemeinsame Bildband mit Andrew Revkin ist die kritische Bestandsaufnahme. In seinen Texten beschreibt Revkin anschaulich, wie die massiven Eingriffe des Menschen zu Erderwärmung, Artensterben, Gletscherschmelze, Anstieg des Meeresspiegels und Klimawandel führen – mit den Folgen wie Dürre, Orkanstürme, Überflutungen. „Human Planet“ ist eine eindrückliche Bilddokumentation, die aber nicht nur eine düstere Apokalypse heraufbeschwört, sondern mit faszinierenden Naturaufnahmen und der Vorstellung vielversprechender Technologien zeigt, wie vieles noch zu bewahren und zu reparieren ist.
Vor dem Hintergrund der globalen Klimaschutz-Debatte, der „Fridays for Future“-Bewegung und der aufrüttelnden Corona-Pandemie kommt „Human Planet“ zur richtigen Zeit. Als visueller Appell, das Anthropozän als nachhaltige Beziehung zu gestalten.

Text: Anita Strecker

Er ist der teuerste Künstler der Gegenwart. 2015 wurde ein abstraktes Gemälde von Gerhard Richter für 41 Millionen Euro bei Sotheby‘s versteigert. Der in Köln lebende Künstler selbst nennt diese Entwicklung auf dem Kunstmarkt „irrsinnig“. Die Summen hätten nichts mit den Werken zu tun, die zu Spekulationsobjekten werden. Dennoch: Richter, 1932 in Dresden geboren, gehört seit mehr als einem halben Jahrhundert zu den wichtigsten Malern der Gegenwart.

Der Bildband „Gerhard Richter Malerei“, nimmt mit auf eine künstlerische Zeitreise und zur Auseinandersetzung mit dem Künstler und seinem Werk. Sie beginnt mit der wenig bekannten Monotypien-Serie „Elbe“ von 1957 und dem Werk, das Richter selbst als erstes „reifes“ Bild bezeichnet: Mit „Der Tisch“, gemalt 1962, ein Jahr nach seiner Flucht mit seiner ersten Frau Marianne in den Westen. Als Student an der Kunstakademie Düsseldorf setzte er sich mit der Avantgarde der Nachkriegszeit auseinander, die Arbeiten und Wandmalereien nach seinem Studium an der Hochschule für Bildende Künstler in Dresden sollten endgültig Vergangenheit sein. „Der Tisch“, gemalt nach einer Fotovorlage, wird von Richter mit Lösungsmittel fast wieder auslöscht, übermalt, und bleibt dennoch als Ahnung erhalten.

Anwesenheit bei gleichzeitiger Abwesenheit durch Transformation, Übermalung – es bleiben zentrale Ansätze für Richter in seiner Auseinandersetzung mit Malerei und ihrem Vermögen, kollektive und persönliche Geschichte darzustellen. Seine Wege und Ergebnisse sind dabei vielgestaltig. Sie drücken sich in den berühmten grauen Bildern aus, in bunten Farbtafeln als „Nullpunkt der Malerei“, in fast romantisch anmutenden Wolken- und Seebildern oder in den farbigen abstrakten Bildern etwa der Serie „Cage“, in denen die Farben in dickem Auftrag und Übermalungen Strukturen bilden und sich Malerei in ihrer Wirkung ganz auf die eigenen Mittel verlässt.

Leben und Zeitgeschichte
Richter geht ernsthaft und subtil vor. Seine berühmten ab- oder übermalten Fotografien, bei denen er die noch feuchte Farbe verwischt und so den Eindruck von Unschärfe entstehen lässt, geben ihre tiefere Bedeutung nur durch Hintergrundwissen preis. So ist seine „Tante Marianne“ mehr als ein schönes Familienfoto. Sie wurde von den Nazis ermordet, ein Opfer des Euthanasiemordprogramms. Die übermalten Fotografien dokumentieren aber auch Richters Auseinandersetzung mit Fotografie und Malerei oder mit Werken anderer Meister: Wie Vermeers „Briefleserin“ inszeniert er das Porträt seiner dritten Frau, der Malerin Sabine Moritz, oder zeigt sie mit dem neugeborenen Sohn Moritz auf dem Arm, dem ersten ihrer drei gemeinsamen Kinder.

Richters Werk kreist um das gegenwärtige Leben und um Zeitgeschichte. Bei der für ihn wichtigen Frage wie sich der Holocaust im Gedächtnis erhalten oder kollektive Traumata wie 9/11 darstellen lassen, kommt Richter zu anderen Antworten als bei den übermalten Fotografien. 2014 malt er vier abstrakte Bilder mit dem Titel „Birkenau“. Dick aufgetragene Farbschichten in Grau- Schwarz- und Rottönen ziehen sich in dicken Schlieren über die Leinwand, verdecken die Fotos, die jeweils darunterliegen: heimliche Aufnahmen eines KZ-Häftlings aus dem Lageralltag, die erschauern lassen.

Seit den 60er Jahren hat sich Richter immer wieder mit diesen Fotografien befasst, Abmalungen oder farbige Übermalungen aber als zu banal oder zu anfällig für Sensationsgier verworfen. Ähnlich im Bild „September“, auf dem graue Farbflächen die Türme des World Trade Centers nur noch erahnen lassen, in die gerade zwei Flugzeuge rasen. Der frühere Kommentar Richters zu abstrakter Malerei wird in diesen späten Werken begreifbar: „Abstrakte Bilder sind fiktive Modelle, weil sie eine Wirklichkeit veranschaulichen, die wir weder sehen noch beschreiben können, auf deren Existenz wir aber schließen.“

Text: Anita Strecker